坪能 克裕　公式ウェブサイト Ⅲ（2001〜）

　「音楽づくり」が小学校の音楽の時間に入ってから随分経った。その前の「つくって表現」の導入からすると、数十年経たことになる。

　子どもがメロディーをつくることや、効果音のような音世界をつくる試みは、これまでにもあったが、音楽の構造を理解して子どもたちの考えでつくり表現することは難しく、やっと音楽をつくる本質を体験することが叶ったようだ。

　子どもは斬新な、現代の音楽情報に詳しいわけではない。そこは授業で学び、サンプルとして先生から音楽がどうつくられているか学ぶ必要がある。その情報を基に自分たちで考えて、つくり、表現するには大変だ。決められた時間内に体験させるには指導案通りの「シナリオ」だって必要だ。学校ではその「導入」だけでも意義がある。それを作品と呼べるまでに育成するには、小学校の授業時間だけでは無理がある。校門を出た後の成果になるはずだが、その環境は殆どない。ブラスバンドや合唱が社会で拡がっていくことから比べると、音楽のオリジナルをつくり合う楽しみは拡がっていない。

　それを拡げるのが社会教育の広場だろうが、その指導者もいないから校門を出ないでいる。音楽大学はその指導・育成も必要とされているのだが、教員側にそのノウハウが無いし、コンクール成績を持ったステージの上から音楽を広げる技術が主となって育った人びとには、音楽をつくることの手立てさえ持っていないのが現状だから創作には期待薄になってしまう。

　私は３０年以上もその手立てを音楽大学が持つ必要性をコトあるごとに仲間や大学に提言してきたが、私の代では成果が出なかった。今その芽は出てきているので、これからの先生がたに期待するしか無い。

　音大が生き残るのは、そういった社会で活躍できる人材の育成だが、ステージの上から人びとに語りかけるのをよしとする体質は、そう簡単には抜けないだろう。音大卒業生の生き残ることは社会での創造的な活動も必須条件となっていくだろう。　　　

　フィリピンの民族楽器・トガトンは小学校の音楽の授業でも活用されている竹の楽器です。
　硬い地面（コンクリなど）の上や、石で竹筒の底を打つと、１メートル以上ある太くて大きな竹筒や、30~40センチの竹筒から誰でも簡単に美しい音を生み出すことが出来る優れた楽器なのです。
　参加者が８呼間（６呼間でもいい）の何処で１回打つかなどのパターンを繰り返すことの応用から、結構複雑な音楽を生み出すことが出来るのです。
そこでトガトンを打楽器のアンサンブルと考える人が多いのですが、実は「メロディー楽器」で、打楽器的な表現が優先されているわけではないのです。この楽器の面白さはメロディーをみんなで生み出せるところが素晴らしいのです。
人は一つか（両手を使うと）二つの音しか、一つのトガトンからは音が出せません。しかし、そこにはビートがあり、仲間の音と重なる響きがあって、単音でも仲間とメロディーを紡ぎあって歌い始めることができるのです。ピアノやフルートとも共通するメロディー楽器になっているのです。そこを聴き出せるかどうかが、音楽づくりの核心部なのですが・・・

　文化会館での社会的な音楽活動でも応用が可能で、素晴らしい音楽づくりや仲間づくりができるはずでしたが、その指導を託すひとも、参加される人びとも、メロディーが聴き取れないでいました。だから全国の何処かで「トガトン楽団」やアンサンブルを楽しむチームが生まれなかったようです。
説明し、実演し、実際に私も加わって演奏して楽しんでもらっても、次にはつながらない世界でした。これから私が再度その種のワークショップを展開して、多くの人びとに楽しんでもらえると宜しいのでしょうが、もう私の役目は終わったようです。竹に限らず、大自然に鳴り響く様ざまな音たちが自然に歌っている世界を、他人と共有するよりも、黙って聴いていた方がいい、というのが私への天の声だったようです。

　私の作曲家の原点にある二つの作品シリーズを記しておきます。多分誰も二度と公開の場で聴くことは無いと思われますが、私にとっては重要な作品だからです。
　コンステレーション（＝星座符。30本のクラリネット群のために、100本の木管群・打楽器群・コントラバス群のために、その後吹奏楽や合唱版でも半世紀前に公演）と、コンベンション（オカリナのための）の、コン・コン／シリーズです。

　二つに共通する音楽は即興性です。聴き合いながら響きを生み出し、個の音と仲間の音との響き合い・歌い合いを個々通し、全体世界に浸る音楽になっていました。それは個々の星の輝きを認識し合い、満点の星の生命との交流の広場に向かい、演奏者はゆっくりと歩みながら演奏を楽しみました。

　コンベンションでは、遠くから聞こえる音たちへの反応で、次第に人々は集まり、即興で会話し、やがて遠くに去って静寂が戻る、という構造になっています。
　それだけの説明で、子どもたちは奇想天外な世界を描いてくれます・・・天から星が降るような響きが、小鳥たちの会話になり、仲間が仲間を呼んで喧々轟々とした集会になり、自然に歌われる讃歌になり、喜怒哀楽の呼びかけを生み出したりしていました。
　町の子どもたちや大人たちも緩やかで大きな輪のルールで千変万花を表現していました。
　問題は学校の授業での展開や、授業の名人の「指導案」に沿った先生がたの展開でした。授業の名人であればあるほど、自身の設計通りに仕上げてしまうことでした。限られた時間や人数、予算などを考慮して、指導者の図面通りに仕上げてしまいます。だから「みんな私がつくってやった」という自慢を吹聴することになってしまうのです。その失敗は何度も起こり、これらを今後再演する意欲を失ってしまいました。故に、幻の星たちの集会、となった次第です。

　音楽でも情報・知識を持たないと、主に音楽をつくってみんなで楽しむことは難しいものです。そのため音楽がどうつくられているか、勉強・レッスンでなく、遊びながらでも知識から真似て自分たちでもつくってみるキッカケになることが第一歩なのです。
　その情報源は、民族音楽にもクラシック音楽の名曲にもたくさんあるのですが、それを多くの音楽家は子どもたちに伝えることが出来ないでいます。
そのヒントを幾ら私たちが助言しても聞く耳を持つ人は少なかったようです。故に子どもの生み出す音を聴けなかったようです。子どもが遊んでいる音楽のなかに音楽宝物が詰まっていたのですが・・・
遊びながらも子どもたちが生み出す音の群れを、音楽家が褒めてまとめるのではなく、参会者が気に入る表現になるまで「待つ」ことが大切だったのです。しかし、待てずにバチの持ち方、音の出し方など、レッスン・レクチャーに向かう音楽家が多かったようです。

　音楽の勉強は、優れた技術を身につけて、出来るだけいい環境でその表現を褒めてもらうことが主になっています。他人より優れた表彰（コンクール）が大切でいます。自分の優れたところを社会で役立たせる術を持たせる講座が殆どないことが音楽系の大学の足腰を弱くさせている基になっています。簡単なようですが、これは構造的な欠陥で、ステージの上からの提供に強く、広場の音楽からはつくることが出来にくいということです。音楽の技術を持った人びとが文化芸術を愛し、理解して次の世代に育てて行くということは、簡単なようで難しいことだと思っていますが、その壁を乗り越えられないでいた人にも責任はあると思われました。

　音楽の醍醐味と無常の新世界は「即興」にあります。
　即興はデタラメではありません。ルールにのっとった表現で、音楽の様ざまな表現を可能にさせています。民族音楽にもあるし、クラシック音楽にはその時代の名手（作曲家やピアニスト）が表現して時代を創ってきていますが、楽譜の残されているものはごく僅かですから実態がなかなか分からないかも知れません。そして何といってもジャズが凄いし、今でも音楽が一番生かされているのはそのジャンルかも知れません。
　’60年代に現代音楽でも、即興演奏団体があった。東京芸大の楽理科出身の作曲家・演奏家が集まって演奏した「グループ音楽」がそれでした。「現代音楽でも即興があるんだ」と私は大いに影響を受けました。
　
　’70年に拙作「クリエーション」シリーズを発表しました。ほとんどルールを記した楽譜であり、即興が柱になっていました。
　トロンボーン・アンサンブルの「第一番」は、一つのフレーズを、相手や仲間が真似する、反抗する、対話し合う、等の連続で音楽が進んで行きました。それは鳥獣戯画のような音で面白いし、演奏家の個性が表に出ていて、音の海で聞き手は楽しく揺られる面白さがあしました。しかし私と演奏をした仲間以外、誰もいいとは言いませんでした。

　もっと即興表現が広がるように、と図形や注釈表を増やして、他のアンサンブルや合唱にも拡げたが、発展はしませんでした。その原点を大切にした段階で、本当は作曲家として失敗の道を歩み始めたのかも知れないと思っています。